當代台灣 抽象藝術經典展

2016.12.17-2017.03.31

策展人:蕭瓊瑞

Opening開幕茶會:2016.12.18 14:00

Forum:蕭瓊瑞 霍剛 薛保瑕 李光裕 許雨仁:2016.12.25 14:00

Lecture:專題演講/策展人 蕭瓊瑞:2017.02.12 14:00

Venue:耘非凡美術館  (台南市東區林森路一段370號 )

執行單位:采泥藝術

當代台灣 抽象藝術經典展

本展是採取歷史回顧的角度,以仍然在世的藝術家作品,舖陳抽象藝術在台灣生根、發展的具體面貌,是戰後台灣最具規模的一次抽象藝術大展;參展藝術家共57位,展出作品多達100件,是一場深具學術價值與歷史意義的藝術盛宴。

─策展人 蕭瓊瑞

繪畫類 藝術家

朱為白1929-  霍    剛1932-  莊   喆1934-  陳正雄1935-  蕭   勤1935-  李錫奇1938-

黃朝湖1939-  李重重1942-  陳張莉1945-  楊識宏1947-  莊   普1947-  洛   貞1947-

賴美華1948-  陳世明1948-  楊世芝1949-  謝義錩1949-  許雨仁1951-  曲德義1952-

賴純純1953-  張正仁1953-  陳聖頌1954-  胡坤榮1955-  薛保瑕1956-  徐畢華1957-

蔡志榮1957-  劉永仁1958-  劉高興1958-  劉國興1960-  顏頂生1960-  郭博州1960-

楊智富1960-  謝鴻均1961-  林鴻文1961-  陶文岳1961-  董心如1964-  黃致陽1965-

張富峻1965-  謝貽娟1967-  耿晧剛1969-  紀嘉華1969-  曾凱智1974-  吳東龍1976-

雕塑類 藝術家

楊元太1939-  高燦興1945-  黃步青1948-  黎志文1949-  蔡   根1950-  李光裕1954-

徐永旭1955-  梁任宏1957-  蔡志賢1958-  張清淵1960-  宋璽德1964-  廖迎晰1968-

吳孟璋1971-  姜憲明1972-  陳麗杏1972-

全台佔地最大民間美術館:耘非凡美術館將在台南市誕生。

位在台南市林森路與東門路交口、原農改場的耘非凡美術館,佔地近六百坪,是由台南知名建設公司富立建設所支持成立。

該公司自推出耘非凡建案後,便以充實住戶精神生活、提升社區文化活動為主旨,推出多項展演活動,並開放市民參與,深獲好評。今再更進一步,以1、2樓獨立空間,成立美術館,為文化古都的藝文活動再添生機。

開幕首展特敦聘知名台灣美術史學者、國立成功大學歷史系所教授蕭瓊瑞任策展人,推出「當代台灣.抽象藝術經典展」,參展人數之多,作品尺幅之大,均為台灣歷來少見的美術館級大展。

策展人蕭教授表示:抽象藝術的成立,是人類文明20 世紀最偉大的成就之一。藝術的表現,脫離外在物象的模仿與拘限,回到純粹形色組構的思考;或是映現內在精神的真實,或是純粹視覺美感的表現,乃至抽象藝術歷史本身的反思,這是人類心靈達於絕然自信與自由的結果。

台灣的抽象藝術,是在戰後初期的1950 年代開始出現,在60 年代初期形成第一波高峰,「抽象」幾成「現代」的同義辭。不同於西方抽象藝術的形色思考,台灣的抽象藝術發展,一開始,就和「水墨」媒材產生難以分割的思辨,計白守黑的水墨美學,也就成為台灣抽象藝術發展的重要面向與特色之一。

但1960 年代中期,在「現實回歸」的反省下,一些現成物的加入,也使抽象藝術開始走向多元媒材與多元手法的探索。1970 年代,是抽象藝術由繪畫、版畫,走向立體表現的時代,舉凡雕塑、陶藝……,都有超越傳統的開展。1980 年代,隨著「第二波西潮」與「美術館時代」的來臨,低限、裝置、空間,與白色的震撼,也展開了另一波抽象藝術的轉向。而解嚴後,大批留學歸來的抽象藝術創作者,更展現了不同關懷的面向與手法;其中女性抽象藝術家的大批湧現,是特別凸顯的現象。21 世紀的來臨,年輕世代的介入抽象藝術表現,證明此一創作類型仍在持續開展… …。

「當代台灣.抽象藝術精選展」正是採取歷史回顧的角度,以仍然創作中的藝術家的作品,鋪陳抽象藝術在台灣生根、發展的具體面貌,是戰後台灣最具規模的一次抽象藝術大展;參展藝術家合計57位,展出作品多達100 件,是一場深具學術價值與歷史意義的藝術盛宴。

此次參展藝術家,包括:平面繪畫的油彩、水墨、多媒材,以及立體雕塑類;也是對「抽象藝術」在台灣發展的一次成果總體現。參展藝術家多為長期投入「抽象藝術」耕耘的知名藝術家,如:繪畫類的朱為白、霍剛、莊喆、陳正雄、蕭勤、李錫奇、黃朝湖、李重重、陳張莉、楊識宏、莊普、洛貞、賴美華、陳世明、楊世芝、謝義錩、許雨仁、曲德義、賴純純、張正仁、陳聖頌、胡坤榮、薛保瑕、徐蓽華、蔡志榮、劉永仁、劉高興、劉國興、顏頂生、郭博州、謝鴻均、林鴻文、陶文岳、楊智富、董心如、黃致陽、張富峻、謝貽娟、耿晧剛、紀嘉華、曾凱智、吳東龍,以及雕塑類的楊元太、高燦興、黃步青、黎志文、蔡根、李光裕、徐永旭、梁任宏、蔡志賢、張清淵、宋璽德、廖迎晰、吳孟璋、姜明憲、陳麗杏等,年齡層涵蓋1920年代出生到1970年代出生者,平面作品均為百號以上的鉅作,是市民瞭解抽象藝術最便捷的一次教育展。

此次展出執行,由台北知名畫廊采泥藝術擔綱,並獲得本地加利畫廊,及台北尊彩藝術中心、双方藝廊、非畫廊等的協力參與。

采泥藝術負責人林清汶也是台南人,他說:身為台南人,個人對於本展在台南展出有很深的感動,並以身為執行的一份子感到驕倣。我也相信,「當代台灣.抽象藝術經典展」在耘非凡美術館的盛大登場,對於台南在地有著深刻的意義。同時,本展得以成功呈現,必須特別感謝各位藝術家的熱情付出,因為他們的信任與協助,才讓本展化不可能為可能,在最短的時間內順利完成。這趟看似不可思議的旅程,很榮幸與各位一起在橫跨50 年的台灣抽象藝術發展的向度上,共同留下參與的軌跡。

「當代台灣.抽象藝術經典展」將於2016 年12 月18 日下午兩點於台南耘非凡美術館隆重開幕,參展藝術家將於當天蒞臨開幕茶會,也歡迎市民一同參與這場屬於台灣藝壇的年度盛會。

配合展出,今年12月25日下午,會有一場藝術家的座談會,邀請霍剛、薛保瑕、李光裕、許雨仁與策展人對談。明年(2017)2月12日下午另有策展人蕭瓊瑞教授的一場專題演講,從抽象藝術的成立到展出藝術家作品的介紹。地點均在展場,歡迎民眾的踴躍出席聆聽。

[作品介紹]

About Artworks

朱為白  天地  162x130cm  棉線、無酸膠、畫布    1984

CHU, Wei-Bor   The Earth  162x130cm   cotton line and acid-free glue on canvas  1984

霍剛    承合之5、承合之2120x200cm(120F)、80×200(80F) 油彩、畫布 2011

 Ho Kan   Continuity5, Continuity2 2120x200cm(120F)、80×200(80F)  Oil on canvas 2011

莊喆 掠影浮光   122×183cm

油彩畫布    1981

(圖片由藝術家與亞洲藝術中心提供)

 Chuang Che    Shadow Floating on yhe Light 122×183cm  Acrylic on canvas    1981

(Courtesy of Artist and Asia Art Center)

陳正雄 紅林系列七  壓克力彩 畫布  112×162cm 2014

Chen Cheng Hsuing        Red Forest Series 7   Acrylic on canvas   112×162cm 2014

蕭勤-源之冥思-6 80x110cm  布上壓克力  1999

 Hsiao Chin   Contemplation on the Origin-6  80x110cm Acrylic on canvas  1999

李重重 山水入象 2014 水墨設色、紙本 90.7×121.2cm

李錫奇   漢采本位2012-5  96.5x160cm   綜合媒材  2012

 Lee Shi Chi     The Elegance of Han Dynasty Oriental 2012-5 . 96.5x160cm    Mixed media 2012

楊元太 回歸   55x25x85cm 陶 1992

 Yang Yuan Tai  Return   55x25x85cm  Pottery  1992

楊識宏 植物學研究 152.5×198.5cm 1994 壓克力、畫布

(圖片由藝術家與亞洲藝術中心提供)

 Yang Chi Hung    Botanical Studies   152.5×198.5cm   Acrylic on canvas  1994

(Coutesy of Artist and Asia Art Center)

莊普 直斜水清  200 x 150cm 2000 壓克力顏料、畫布

Tsong Pu   Clarity Filled with Directness and Indirectness    200 x 150cm 2000    Acrylic on canvas    2000

黎志文 · 夢主體   282x75xH120cm  現成物、鉛、木  2016

 Lai Chiman      Oneiric Subjestity     282x75xH120cm  Ready-made, lead and eood     2016

許雨仁   粗筆系列之四十四   96x180cm  水墨、紙  2008

曲德義   錯合C0216   114x146cm  壓克力、麻布   2002

Chu Teh I    Misplace Union C0216    114x146cm    Acrylic on linen  2002

賴純純   閃亮的愛-粉紅 240x360cm   複合媒材  2016

 Lai Jun T.      Shiny Love-Pink   240x360cm   Mixed media   2016

李光裕 風影 55x60x100cm 銅   2016

Lee Kuang Yu   Shadow in the Wind   55x60x100cm    Bronze   2016

陶文岳 曙光  195x130cm  複合媒材、畫布     2007

Tao Wen Yueh     Dawn    195x130cm       Mixed media on canvas      2007

黃致陽 千靈隱 山靈Ⅰ

225x125cm   墨、宣紙    2003

Huang Zhi Yang    Three Marks_ Mountain Spirit I

225x125cm     Color and Ink on paper 2003

謝貽娟 None-Space P48  234x168x6cm   礦石粉末、壓克力樹脂、畫布 2013

Jo Hsieh   None-Space P48  234x168x6cm   Pigments and resin on canvas   2013

耿晧剛 喃喃2 140x90cm   壓克力、複合媒材、畫布   2013

 Keng Hao Kang     Muttered2   140x90cm    Acrylic and mixed on canvas  2013

紀家華 每天為你寫一首詩b190.5×170cm 壓克力、畫布、複合媒材  2015

Jason Chi   Writing a Poem for You Each Day  190.5×170cm  Acrylic and Mixed media on canvas   2015

指導單位  臺南市政府文化局

主辦單位  耘非凡美術館

執行單位  采泥藝術

贊助單位  富立建設、久光企業

協力單位  加力畫廊、尊彩藝術中心、双方藝廊、非畫廊

媒體協力  典藏今藝術、典藏投資、藝術家、當代藝術新聞

[ 畫冊專文 ] 純粹與深邃 ──當代台灣抽象藝術經典展 

文/ 蕭瓊瑞 教授

抽象藝術的成立,是人類文明20世紀偉大的成就之一。藝術的表現,脫離外在物象的模仿與拘限,回到純粹形色組構的思考;或是映現內在精神的真實、或是純粹視覺美感的表現,乃至抽象藝術歷史本身的反思,這是人類心靈達於絕然自信與自由的結果。 

台灣的抽象藝術,是在戰後初期的1950年代開始出現,在60年代形成第一波高峰,「抽象」幾成「現代」的同義辭。1957年成立的「東方畫會」和「五月畫會」,正是這波抽象風潮最重要的推動者。 

其中,東方畫會的蕭勤(1935-),1956年年底,即以西班牙政府提供的獎學金,前往馬德里留學,開始以「歐洲通訊」的專欄,在當時台灣最具影響力的主流媒體《聯合報》,定期報導歐洲當代藝術的最新趨勢,成為台灣抽象藝術發展重要的資訊來源;而蕭勤對台灣現代藝術,尤其抽象繪畫發展的貢獻,更重要的是:1957年11月東方畫會推出首展時,引進了14位西班牙當時知名的現代藝術家,包括:達拉茲(Juan Jos’e Tharrats,1918-)、法勃爾(Will Faber,1901-)、阿爾各依(Bouardo Alcoy,1930-)……等人,將作品送來台灣,和東方畫會成員的作品一起展出。 

這樣的舉動,在當時台灣實施「戒嚴」的緊張情勢下,固然是為了避免當局因不瞭解「抽象藝術」而產生的疑慮與打壓,特地以同為「反共」國家的西班牙藝術家來證明:這樣的作品絕非「共產主義」的產物,創作這樣作品的人,也絕非「共產主義」的同路人,而是「反共」和「自由」的象徵與表現;另一方面,卻也讓台灣藝術家和民眾,首次見識到歐洲現代藝術,尤其是「抽象藝術」的原作,大大地打開了創作的眼界與思維,進而改變了台灣藝術發展的氛圍與走向。

蕭勤促成的歐洲現代藝術家作品的來台展出,持續多年,其中也包括日後極具知名度的空間派大師封答那(Lucio Fontana1899-1968 )等人的作品;同時,蕭勤也將東方畫會的作品攜往歐洲展出,獲得極大迴響。這樣的舉動,也促成多位東方畫會成員的陸續赴歐。 

而蕭勤本人的創作也始終保持著高度的前衛性與獨創性。出自良好的家世背景,父親是中國第一位留德音樂學博士、也是上海音專的創辦人蕭友梅(1884-1940);不過蕭勤卻有一個悲慘的成長經歷:5歲時父親不幸過世,10歲時,母親也蒙主寵召,留下唯一的妹妹,卻有精神上的宿疾。15歲時,隨姑媽來到台灣,就讀台北師範;23歲那年去了西班牙。動盪、飄泊的生命歷程,也成就了蕭勤獨特的藝術思維與風格;他自述:自己的藝術正是父親的人文主義加上母親的宗教影響,一方面是哲理的、分析的、實證的,二方面是玄學的、神秘的、綜合的。不論是自由流動的線條,或一度走向硬邊的結構,蕭勤的創作,是一種對生命、宇宙的永恆好奇與探討。

同為東方畫會的霍剛(1932-),原名霍學剛;生於南京,1949年隨國民革命軍遺族學校來台。在台北師範學校(今國立台北教育大學)藝術科就讀期間,進李仲生畫室學習,也就成為「東方畫會」創始會員的「八大響馬」之一。 

霍剛早期的作品,頗富實驗探索的前衛精神,運用一種自由想像的連續性線條,發展出具有潛意識特色的圖像,勾引觀者產生一種具夢幻、灰沈的聯想,可視為霍剛的「灰色時期」。稍後,畫面轉向以帶有墨韻和版拓趣味的黑色為主體,中間夾雜著一些淡紅、淡藍的色彩,猶如雄渾樂曲中的裝飾音,呈顯一種輕靈跳動的感覺。 

1964年的出國前往義大利,並定居米蘭,是霍剛創作風格決定性轉變的關鍵點。色彩完全脫離灰、黑的主調,轉為紅、藍、紫的構譜,而且都是帶著一些粉調的中間色;而在構成上,也由空靈的、幾何性的趣味,取代了之前筆觸行走、不定形的作風。 

在霍剛此後長達一甲子的創作中,他建構了一種殊異、且如詩一般的神秘色彩特質,充分發揮類比色與對比色的配色原理。他經常以一組類比色,作為畫面構成的主要架構;而在這些面積較大的類比色中,可以看見相鄰的兩色,其中一色有著另一色的存在,這是色彩多次疊刷所得到的效果。同時,在這樣的類比色架構中,藝術家再置入一些對比色或黑白的小型元素,或是圓形、或是三角形、或是細線,使得畫面產生一種突顯、跳躍、提振的視覺感受。小型元素的對比色,往往成為視覺的焦點;但大面積的類比色,則塑成了畫面整體的氛圍。 

霍剛正是透過這些純粹的形色組構,營造出一種看似設計,其實充滿人文性與精神性的藝術創作。色彩營構氛圍、形式提供情節;尤其在形式當中,線條的方向、圓的大小,或三角形的排列,都具有高度示意性的功能;充滿了一種似乎有事正在發生、或有話要說的謎樣特質。這種特質正是音樂的、也是詩的特質。

也是東方畫會成員的朱為白(1929-)和李錫奇(1938-),早期都從版畫入手,後來均成為多媒材創作的傑出藝術家。 

朱為白和霍剛同為南京人,出身三代的裁縫世家,1949年赴台,先後接受台灣前輩畫家廖繼春和李仲生的教導。朱為白的抽象藝術,一開始便呈顯中國傳統人文精神的思維特質,和深沈的個人內在情感;後受西方空間派大師封答那「畫面切割」的手法啟發,開展出自我獨特的「挖貼」藝術。他擅長運用黑、白、紅等單色棉布或麻布為媒材,以利刃取代畫筆,在作品表面,劃出一道道割痕,再加上多層襯托、折疊等手法,使畫面產生豐富的層次效果與空間深度,超越了一般繪畫作品的平面性;在極簡和質樸的風格中,呈現了中國傳統道家老、莊的哲學內涵與韻味。 

在棉、麻等布材之外,朱為白也擅於運用棉花棒等現成物,排列出極富禪意的畫面,成為同世代中風格極為突出的一位創作者。 

來自福建金門的李錫奇,早年的現代版畫,就以多變的風格贏得「畫壇變調鳥」的美稱。1960年中期,前衛探索時潮邁入「現實回歸」的取向時,李錫奇也是最早運用民間賭具進行後現代表現的藝術家;同時,也在那些切角的骰子,或排列有序的牌九裝置中,展現出深具東方意象的普普風格。 

1960年代末期,因受故宮藏品〈清明上河圖〉時序推衍的構圖思維啟發,創作了以方圓相對、序列變化的長幅版畫,並因此獲得國際競賽大獎,也形成此後一系列以「本位」為名的不同媒材創作。接著,走過「月之祭」、穿過「時光行」等系列,從對人類登月、神話破滅的感傷,到兒時線香揮動、彩帶飄揚的記憶捕捉,終於進入磅礡氣派的「大書法系列」。 

1990年代初,一趟大陸之旅,又為他開展出此後數十年的漆畫創作高峰,這也是一個「老傳統.新生命」的創舉。「漆」是中國古老的工藝材料,「漆器」、「漆畫」都在中國工藝史上有過輝煌的表現;但這種古老的媒材,如何跳脫工藝的格局,成為現代藝術有用的滋養,李錫奇再一次展現他「讓材料說話」的本領。 

漆的明亮、黏稠,乃至皺褶,在李錫奇的創作中,化為一種充滿視覺震撼的「重力」形式,從較早的遠古的記憶、鬱黑、後本位、再本位、浮生十帖、本位新發、風起水湧、本位焠鋒,到漢采本位等系列,李錫奇敲著隆隆的鼓聲,時而如鬱暗叢林中祭神的讚歌、時而如新春節慶歡天喜地的賽曲……;不變的是那映現於紅、黑、金、銀的民族標示,以及暗含著傳統文化,如:書法、門聯、巧板、風水……等種種思維與形式的轉化。

東方畫會的成員,都先後接受過有著「台灣現代繪畫導師」之稱的李仲生(1912-1984)的啟蒙與指導。出生於廣東韶關的李仲生,早年廣州美專未畢業,便前往上海,參與「決瀾社」的創立。後留學日本,入東京日本大學,在學期間,入「東京前衛美術研究所」研習,師事藤田嗣治、阿部金剛、東鄉青兒等人,並參與「二科會」及「黑色洋畫會」。 

來台後,以私人教學培養出大批現代藝術創作人才。他強調從潛意識出發的特殊教學方式,讓每位學生都找到了屬於自己的創作語彙,風貌無一類同,對台灣現代藝術發展影響至鉅。

同為戰後台灣現代繪畫運動最重要的推動者,五月畫會在對抽象繪畫的認識與推動上,顯然稍晚於東方畫會。但在1960年的第三屆五月畫展之後,作為畫會靈魂人物的劉國松(1932-),開始成為「抽象藝術」最重要的代言人;甚至為了藝術學者徐復觀一篇〈現代繪畫的歸趨〉中宣稱「抽象繪畫的未來,只是在為共產主義開路!」而勇敢出面,與之展開激烈的筆戰,奠定了抽象繪畫在當時台灣發展的基礎。而在創作上,他的「大筆觸」系列,更將西方的抽象與中國的水墨美學相結合,成為「抽象水墨」最具典範的作品。不過,劉國松日後的發展,尤其他的「九寨溝」系列和「西藏」系列,逐漸修正他對「抽象」的堅持,代之以「自由表現」的折衷思想,回到自然景物的歌頌。

由劉國松帶動的「現代水墨」風潮,是當時台灣「抽象繪畫」最主流的路向,引發眾多畫友、後進響應,並創作出大批可觀的傑出作品;如:被稱為「為現代畫搖旗吶喊的旗手」的重要支持者黃朝湖(1939-),和作品「有如大象跺腳般沈實有力」的李重重(1942-)等,均為代表。 

黃朝湖是「台灣現代繪畫運動」期間,最重要的旗手之一,他以平實且快速的文筆,大量撰文為現代繪畫搖旗吶喊;而本人也以抽象水墨創作,開拓出一片天地。經歷1960、70年代的「複合藝術」時期,黃朝湖在1980年代正式進入較成熟的「非山非水」階段。這個時期,他重新肯定東方水墨媒材的表現性及發展性,以相當自由的用筆用墨,加上裱貼、水拓等技法,追求畫面的氣韻生動與意境情境的表現;同時,在傳統水墨之外,也加入壓克力顏料,來增加畫面的質感、量感與深度感。初始以墨色為主,1980年代中期之後,則加重色彩的分量;畫面中墨色與彩色的推擠,形成相當緊密而動人的空間,自成一格,名為「得意忘形」時期。這是黃氏創作的一個高峰,許多國際大展的獎項榮譽也隨之而來。 

90年代之後,黃朝湖有心再開拓東方畫系的可能路向,主張「墨彩並重」的彩墨畫法,結合同道,組成「國際彩墨畫家聯盟」(1996-),並任會長,多次推動各國畫家的聯展及交流。他本人的創作,也因多次參訪北國,親見山川冰雪景色的震撼,而進入另一種深具超現實意味的幻彩世界。

出身書香人家的李重重,河北邢台人,1942年生於安徽屯溪。父親李金玉,也是一位學習藝術的近代知識份子,早年畢業於北平美術學院,專習傳統水墨。1947年,李重重跟隨父母來到台灣,在父親任職的台鹽台南七股鹽場,安靜而幸福地度過了童年。 

1965年,自復興崗政戰學校(今國防大學)藝術系畢業,適逢台灣現代繪畫運動達於高峰的時代。1968年,加入劉國松等人倡組的「中國水墨畫學會」,開始了現代水墨畫的實驗與開拓。 

李重重的作品,在拋棄傳統形式語彙的過程中,卻傳承了中國傳統水墨中最動人的墨韻和精神。因此,她的作品不僅擁有現代的形式,也呈現深刻、動人的傳統文人內涵。她的創作,從佈局入手,以墨韻收尾;不僅有縱橫蒼潤的筆觸線條,也有塊面渲染的空間意境。但更重要的,是她在層層營造的墨韻層次中,創造了作品蒼潤婉約的動人氣質,與深厚渾成的紮實質感。 

李重重運用焦墨與淡墨的對比、細線與色塊的呼應,傳達出中國傳統哲學中,亦動亦靜、動靜相參、物我合一的種種聯想與共鳴。有時是一種墨彩相衍、連綿不絕的滾動造型;有時則如某一斷面中突然湧現的色彩精靈,給人一種斷、續、存、滅的衝擊與並置的感受。而物情、物象、物緣的層層敷衍,引人進入一種生命思索的深沈境域;正是所謂「筆墨相濡、意超象外」的筆勢與墨韻,蒼勁與婉約並存,物性與人性輝映,是這個時代最值得珍惜的一種姿態與聲音。

黃朝湖和李重重都不是五月畫會的成員;五月畫會中長期堅持抽象且具傑出表現者,應首推莊喆(1934-)。 

台灣師大美術系畢業的莊喆,是早在1959年的第三屆五月畫展時,即已入會。來自故宫博物院的家庭背景,父親是運送故宮國寶,一路自北京南下,經過大西南,最後來到台灣的老故宮人,也是後來故宮博物院副院長的莊嚴先生。深沈的中國古書畫背景,讓莊喆在中國美術現代化的路徑上,非但沒有成為包袱,反而具備更開放、自信的態度。較早的抽象水墨風格,巧妙地結合了拼貼及詩詞的文字片斷,成就了一批如〈國破山河在〉等動人的作品。移居美國後,在創作媒材上,則完全擺脫水墨與紙質的裱貼,在油彩和壓克力彩的運用上,進行許多新嘗試與發現;他運用壓克力的水性特質,和油彩的油性並行使用,兩者產生既互斥又相融的微妙肌理,小的如噴霧般的細微,大的則如山溝的裂渠,千變萬化,趣味無窮。但在這些趣味變化中,莊喆始終謹慎地避免落入純效果的陷阱,淪為內容的空洞化。因此,他總是從大的構圖下手,一如國畫構圖中所謂的開合;進而在比例、節奏、彩度、秩序,乃至肌理、空間、層次上,尋求一種「張力」;而其中用筆的「筆勢」,始終是他創作的基本支架,一如傳統水墨中經常提及的「骨」。 

在一個完全屬於西方文化的社會中,莊喆以來自中國深沈的文化之眼,在畫布上建構一幅又一幅的作品,也是一座又一座的心靈世界。這當中,貫穿其間的,是對自然的尊重;而這自然,可能是來自大自然中的風景,也可能來自中國山水畫中所建構的自然,更可能來自身邊親人、事物的形象所引發的種種聯想。莊喆深沈而節制的創作,是華人抽象創作中的一朵奇葩。

在1960年代達於高峰的台灣現代繪畫運動中,走向純粹抽象風格的藝術家,大多為大陸來台青年,本地出身而投入純粹抽象藝術創作者,除黃朝湖的抽象水墨外,陳正雄(1935-)是最具代表性的一位。 

陳正雄的創作生命,是在1970年代由類立體派的畫面分割走向純粹的抽象構成,並在1980年代邁入成熟。這種轉變與跨越,固然是藝術生命本身不斷自我巔覆超越的結果,但其關鍵,則主要還是來自兩方面的滋養和挹注:一是歸功於他對台灣原住民藝術的深入接觸與研究;二是他對新興媒材壓克力顏料的靈活運用。 

陳正雄對原住民藝術的接觸與吸納,既非取徑各種圖騰、象徵的表像借用,也非山林野地景致的暗示或變形,而是對那些原始又大膽的色彩之敏銳領略及運用;再加上對那蘊育這些藝術的熱帶叢林,光影交映、水氣流暢、生機勃發的自然特質的深刻體驗與掌握。而80年代中期之後,加入新興媒材壓克力彩的運用,創作力達於高峰。在濃稠與透明之間、在揮灑與流瀉之間、在甩點與刻劃之間,陳正雄像一個拿了仙人棒的色彩魔術師,幻化出時而隆重、時而輕靈、時而高亢、時而深沈的曲調;但基本上是永恆的歡愉,始終不曾透露出一絲悲愁,即使表現冬天的嚴寒,青藍的色彩間,始終蘊含著一股隨時蹦發的生機氣韵。 

陳正雄的作品,洋溢著色彩、充滿了旋律,有著貝多芬「命運交響曲」般雄渾的壯闊之氣,也有著韋瓦第「四季」中流轉蕩漾的無限生機;然而靈魂底層,却是來自台灣高山叢林,綠蔭與陽光交迭的精靈氣息。 

1990年代之後,陳正雄是少數長期受邀參展巴黎五月沙龍的華人藝術家,與趙無極(1921-2013)、朱德群(1920-2014)的「抒情抽象」繪畫合稱「華人三家」;他除了獲得義大利1999年羅佛倫斯國際當代藝術雙年展頒給最高榮譽的「終生藝術成就獎」,更在2001年再度獲頒相同獎項,外加「偉大的羅倫佐國際藝術獎章」,既是亞洲第一人,也是全世界少數連續獲得此一重要獎項的傑出藝術家。 

除了個人的創作外,陳正雄也是台灣少數在抽象藝術理論上深入瞭解並多所撰述的一位藝術家。1960年代,台灣抽象藝術初起,陳正雄便以他傑出的外文閱讀能力為基礎,為台灣當時最重要的幾個雜誌《文星》、《東方雜誌》等撰介抽象藝術理論;90年代中期,台灣省立美術館創建,許多重要的海外抽象畫展及論述,也都由陳正雄擔綱。 

近年來,他更多次深入中國內地,以傳道者般的熱情,受邀為許許多多的專業美術學院,講解、介紹抽象藝術思潮與作品;同時也是1994年上海美術館「上海美術雙年展」諮詢委員及主要策劃人,可以說是中國大陸畫壇接觸抽象藝術最重要的理論指導者之一。

年輕陳正雄12歲的楊識宏(1947-),本名楊熾宏,桃園中壢人,和陳正雄同為台北建國中學畢業。1968年板橋國立台灣藝專美術科西畫組畢業,曾是「全省美展」的常勝軍。1979年,放棄在台已然穩定、優渥的工作和待遇,帶著妻小前進紐約。 

歷經「新表現主義」、「植物美學」等系列,在廿世紀即將結束的1999年進入純粹抽象表現的階段,是當代中生代畫家中,極具國際視野與能見度的傑出畫家。 

楊識宏是一位具有高度統合能力的藝術家,他的創作歷程立基於生命探討的主軸,橫跨東西文化、縱橫傳統與現代,在優雅與粗獷、雄勁與典麗之間取得平衡;近期作品加入潛意識與意識間的游離,予人以更自由、縱放的感受。同時,楊識宏的創作歷程,也始終和台灣現代藝術的發展,保持緊密的連繫,尤其1987年所撰著的《現代美術新潮》更成為年輕一輩現代藝術的重要引導經典,而楊識宏的創作思維與表現,也是國際藝壇一個引人矚目的存在。

1980年代,一位長期旅居英國的台灣本地藝術家林壽宇(1933-2011),返台舉辦個展,為台灣現代藝壇帶來了屬於低限與觀念的「白色震撼」。在林氏帶領下,改變了1960年代以來從書寫性出發的另一波抽象藝術熱潮,並吸引了一批年輕藝術家的投入,莊普(1947-)、陳世明(1948-),和賴純純(1953-),都是其中最具代表性的幾位。 

1947年出生於上海的莊普,兩歲時隨家人遷居台北。1981年,他結束在西班牙馬德里藝術學院長達近九年的學習,回到台灣,正逢台灣政治、社會、文化面臨遽變的年代。1983年年底,台北市立美術館正式開館;隔年(1984),莊普便以作品獲得該館舉辦的「中國現代繪畫新展望展」首獎,這也是帶著觀念藝術特質的抽象繪畫,在官方展覽中獲得首獎的第一次,也正式開啟了台灣當代藝術「美術館時代」的序幕。 

1984年,在台北春之藝廊推出的「異度空間──空間的主題、色彩的變奏曲」,和隔年(1985)的「超度空間展」,以「空間、色彩、結構──存在與變化」為主題,莊普都扮演了重要參與者與推動者的角色。 

1985年,他以「邂逅後的誘惑」為題,推出第二次個展,以方格蓋印的手法,成為他在台灣當代畫壇的重要印記;也以這樣的創作,獲得雄獅美術社頒與的「雄獅雙年獎」。 

莊普作品中的詩意本質,原就不純然是視覺上的形色結構,而是帶著行動與思維的內觀特色,在看似不著一語的境況中,卻有諸多和現實間的牽扯與暗示。而這樣的牽扯與暗示,往往披露在那些如詩、如謎,又似無厘頭的作品標題上;事實上,不止標題,莊普的創作,不論平面、立體,始終有其「當下」意義的返照,他的作品也猶如他心靈的日記,每一件作品,都是每一個當下片斷的存在印證。

陳世明也是在1980年代初期的低限風潮中,自西班牙馬德里費南多高級美術學院畢業返台,以一種極具媒材特性的抽象創作受到矚目;並在1984年,即進入當時甫剛創設的國立藝術學院(今國立台北藝術大學)擔任教職,以迄退休。 

陳世明早期的創作,是從極精細的具象寫實繪畫出發,強調物我凝視下心靈萃煉的體悟。之後,從具象轉為抽象,乃是呼應內在需求的一種轉化。西班牙留學背景的影響,使得他的作品,在看似隨意、不具機心的媒材肌理舖陳中,表現了一種禪機無限的內涵。 

近年的作品,藉由大量的攝影,將自然與都會的片斷隨想,透過數位處理的手法,組構成綿密、交疊、延展的萬象空間,是一種現代科技下人文視野的當代感知,真實與幻覺並置、迷離與莊嚴同體。 

1953年出生於台北一個書香家庭的賴純純,她的藝術就和她的人一樣,始終融和著兩種看似極端的元素:時而明麗端莊如城市精英、時而質樸草根如村野鄉民。這兩種氣質的結合,就如同那些閃爍著多彩、迷離光芒的彩色壓克力,和巨大、燻黑的質樸原木,同時出現在她的展示室中一般,令人驚奇,也令人困惑。 

1986年,台北市立美術館舉辦「中華民國繪畫新展望展」及「中國現代雕塑展」,賴純純同時獲得新展望獎及雕塑首獎的榮譽,成為台灣藝壇備受矚目的新生代藝術家。 

在早期那些看似簡潔的造型和明麗色彩的創作,卻蘊含著賴純純用生命去開拓、實踐的藝術思維,使得她的作品始終擁有深沈卻含蓄的精神性與感染力。其中佛家的思想,更一度成為她精神探索的重要引導,尤其在1990年代前期的作品中,更展現了一種對生命、人際思考的深度。 

1990年代後期,台灣公共藝術興起,賴純純開始積極投入此一領域的經營。公共藝術提供了這位深具開創性與實驗性的藝術家,更大的探討空間與實踐機會;在這裡,她可以完成一般藝術家在工作室中無法完成的夢想,尤其那些具備迷人色彩與穿透特色的壓克力材質,擺置在巨大的公共空間中,顯然更具滲透與感染的力量。 

經歷將近20年的公共藝術經驗,在21世紀第一個十年即將結束的時刻,賴純純開始感受到公共藝術的製作,冗長的協調過程與溝通方式,對自我創作能量是一種嚴重的損耗;她開始有計劃地自我調整,重新回到工作室中的創作,並持續展現旺盛的創作力。 

賴純純創作的類型涵蓋極廣,包括:平面繪畫、雕塑、裝置,和觀念藝術等;至於運用的媒材,更涵括:壓克力、油彩、墨水、竹紙、木石、石墨、鋁板、色粉、沙、麻繩,和現成物等。作為藝術家的賴純純,比起其他藝術家,顯然更強烈地要求自我「不走別人已經走過的路」;因此,她的創作始終具有高度的實驗性與探索性,就連她的人生似乎也是如此。

2016年的新作,是以聚合樹脂為媒材,層層堆疊,多彩映照,成為一種深具迷離與深邃的巨大存在。 

1984年年底,台北市立美術館的成立,加上政治氛圍的改變,為台灣現代藝術帶來更豐富多元的面貌。其中,大批女性抽象藝術家的湧現,顯然是一個重要的現象。這些藝術家,除前提賴純純之外,另如:陳張莉(1945-)、洛貞(1947-)、賴美華(1948-)、楊世芝(1949-)、薛保瑕(1956-)、徐畢華(1957-)、謝鴻釣(1961-),以及更年輕的董心如(1964-)、謝貽娟(1967-)等人。 

其中陳張莉、楊世芝、薛保瑕、徐畢華、謝鴻鈞、董心如,均具留學美國的學院背景。陳張莉1945年出生於上海,1968年自台灣國立政治大學西洋語文學系畢業,即投身創作;1987年台北美國文化中心首次個展後,以不惑之年前往紐約普拉特學院,並獲得藝術碩士。陳張莉的抽象繪畫,從本能的心象出發,在人生與自然的觀照中,時而濃烈、多彩,時而清淡、空靈;但整體而言,畫面帶著強烈的媒材肌理,在書寫性的造型結構中,富於音樂、流暢的律動,極富個人特色。她雖然長期旅居紐約,但經常返台展覽,也積極參與亞洲各國舉辦的現代藝術聯展。近年並嘗試裝置與影像的創作,是一位頗富自我突破精神的藝術家。 

楊世芝1949年出生於青島。她的藝術教育,主要完成於美國,先後就讀舊金山藝術學校、紐約國家藝術學院,之後畢業於舊金山州立大學藝術系,及該校藝術研究所肄業。1980年代末期返台後,積極參與「替代空間」的推動,她也是台灣第一個替代空間「二號公寓」的成員。 

楊世芝早期的作品,介於物象與心象之間,以富有力量的色面和肌理,表達主觀的觀看經驗,色調沈穩,卻又豐富、流動,帶著一種光影變化的空間趣味。近年的作品,逐漸走向水墨的構成,畫面呈現一種細緻與粗獷、靜穆與動盪二元並置的特質。 

1956年出生於台中的薛保瑕,是這些留美女性藝術家中最具學者特質的一位。台灣師大美術系畢業後短期任教國中,1983年赴美,並在紐約普拉特藝術學院及紐約大學教育學院藝術系先後取得藝術碩士及藝術博士學位。在當年藝術學院老師一句:「抽象藝術發展已逾百年,抽象藝術創作還可以如何走下去?」的提問下,薛保瑕開始展開一段完全脫離一般抽象繪畫形式風格經營的路向,而在抽象的語境下,企圖去重新回顧並建構抽象藝術「敘事」的可能性;如1985年的「P.S.」系列,「P.S.」本身就是一個「擬人化」(Personification)的代號,而在「似有所本」、「多義名言」的符號、語意,和畫面中,挑戰創作者與觀賞者的視覺思維與文化(歷史)認知;因此,早期的作品,總是充滿了畫家意識層與潛意識的糾纏、流動,在社會與個人、現實與理念、當下與歷史、可掌握的與不可掌握的、外世界與內宇宙……之間,不斷地推拉、徘徊、延展……。 

1995年返台後,經歷豐富的行政歷練,包括:國家文藝基金會執行長、國立台灣美術館館長,以及生病開刀的挑戰,在2009年之後,薛保瑕展開另一全新面貌的創作,繁複筆觸構成的巨大畫面,開始出現一些徒手畫成的正圓;正圓的平塗和那些網狀揮洒的畫面中,形成冷熱並置的張力。揮灑的油彩,揭露某些潛藏的記憶、情感或無可名狀的感受;徒手平塗的正圓,尤其拘限在以九的數目而展開的佈局,就帶著高度的思惟、反視與知性;這些大小不一而形成空間遠近的不同色點,顏色本身也造成距離遠近的感受。同時,色點的存在,既是一種實有,又似一種空洞,和畫面的筆觸、線條,乃至抽象繪畫本身及其歷史,形成強烈的辨證關係。看似對社會事件的關懷較為隱褪,但本質上,仍然在直接面對「抽象繪畫及其自身的歷史演變」這個大脈絡下,展現其不懈地提問與回應。

1957年生於台灣雲林的徐畢華,國立政治大學教育系畢業後,1987年前往美國芝加哥柏克萊大學藝術研究所主修藝術史;1989年,在美國波士頓美術館學院主修繪畫。 

徐畢華的抽象創作,完全來自自然山水的啟發;長期寄居山林的她,以大自然作為修行的導師,畫布和田園則是她修行的道場。在大自然的生息、涵養中,她以「師法自然」為創作準則;因此,畫面總是在一種歌讚、奔放的正向情緒中,流露愉快、舒暢的精神特質。近年則加入一些布料的拼貼,增加畫面的肌理與象徵的內涵。 

與薛保瑕幾乎完全相同的學院訓練背景:台灣師大美術系畢業後,赴美獲得紐約普拉特藝術學院碩士,及紐約大學藝術研究所創作博士的謝鴻鈞,1961年生於苗栗的客家家庭,但在台北長大,加上美國留學的背景,讓她的創作帶著較為多元文化的特質;尤其作為女性藝術家的身份,謝鴻鈞始終對自我的存在,抱持一種不斷反身自省、自我內視的態度。她的創作,較少從純粹的抽象構成出發,總是帶有一種高度的自省意識,大到對文化神話的顛覆,小到對自我身體內在宇宙的觀想,但藉由「為物象罩上一層『擬像』」(Simulacra)的外衣」,畫面則形成一種自我視覺符號的抽象組合,是台灣當代抽象創作中的一個異數。 

也是畢業於紐約普拉特學院研究所碩士班的董心如,1964年生於台灣。她的作品以抽象的形式,捕捉大自然的意象,包括:植物、深海、花草、昆蟲、樹影、月光……,乃至浩瀚的宇宙,帶著一種神秘性,也富涵詩意。在和自然的觀照中,也表達了對自我生命的熱情與好奇。同樣的主題似乎是許多前輩女性藝術家共同的關懷,但董心如的作品呈現了更為純粹與低限的特質。 

更年輕的謝貽娟,是留學英國,1967年生於台灣,1991年負笈倫敦。先後完成英國皇家藝術學院碩士學位,及費爾茅斯藝術學院博士學位。她的創作,使用媒材甚廣,包括:油彩、粉彩、壓克力顏料、照相腐蝕、礦石粉末……等,尤以「藍色礦石粉末」的極簡抽象創作最具個人代表性。學、術雙修的謝貽娟,對東西方哲學均俱高度興趣,作品中呈顯一種結合物性學與心理學的高度企圖,進而開展出屬於她稱為「非空間」(None-Space)的創作理念,一種較為節制、工整的畫面形式,似乎是這位留英藝術家和其他留美抽象藝術家較為不同的地方。 

沒有海外留學的經歷,卻因先生特殊的外交職業生涯,具有多國生活經歷的(1947-),也是這波女性抽象藝術創作者中,頗為特殊的一位。 

「洛貞」,是一個早在1980年代初期,即被台灣畫壇知悉的名字。1981年在台北版畫家畫廊推出國內的第一場個展之前,她已在菲律賓舉辦過兩次個展,以一種帶著超現實意味的半抽象人體,表達她對生命的感觸與思維,獲得藝壇相當的注目與好評。 

這位出生、成長於動盪年代的女性藝術家,由廈門來到台灣,或許因為童年生活的不穩定,潛意識中對人間的苦難,顯然比對甜美的事物,有著更深刻的感受與體認。自幼喜愛的繪畫,也在相當的年齡後,得以自食其力,才拜師學藝;啟蒙的老師,正是台灣當年前衛繪畫運動「東方畫會」八大響馬之一的吳昊。吳昊帶給她的,正是一種面對自我意識的挖掘與掌握。不久,她便因婚姻的關係,隨著擔任外交官的先生,移居菲律賓;在這裡,菲律賓知名的畫家洪救國成了她的另一位指導老師。 

而1998年的印度駐旅,則讓洛貞的「悲慟」找到了安頓的出口。這個曾經是「極苦之地」的國度,蘊育了人間最深奧的哲學和宗教,也啟發了洛貞面對苦難的另一種態度與方法:重新回到原真的自我。 

在這樣的反省與自覺中,洛貞開始將向外觀望的眼睛,回到自我的內視;她開始肢解、淡化,乃至捨棄以往對人類形體的堅持,回到原本熟悉卻疏離已久的書法藝術;流動的線條、簡化的色彩,畫面走向一種單純的自我呈現。 

洛貞近年的作品,也嘗試水墨線條的構成,都是由一些猶如髮絲的細條,就像音樂中,帶著和音的旋律,來回擺盪、不斷迴轉、擴張,予人以複弦合鳴的震撼。這些多線索的流動迴轉,時而緊密、時而疏鬆,展現一種充滿生命律動的喜悅與活力。 

賴美華(1948-),是一位土生土長的在地藝術家,卻也是台灣最早在創作中展現女性意識的藝術家。出生成長在嘉義義竹的一個醫生家庭中,賴美華從小便對生命充滿好奇與疑問。 

初中後,前往台南求學,孤獨卻也獨立的住宿生活,讓她一頭栽進藝文的空間裡;大量的閱讀與美術老師沈哲哉(1926-)的啟蒙,引導她走進美術創作的領域。高中時期,正是台灣60年代現代藝術風潮初興的年代,「女性主義」的思想尚未抬頭,賴美華已經在她的創作上,結合女體與花卉的圖像,以一種流線型的畫面分割,探索著自身的存在與命運,是台灣第一位沒有主義宣言的女性主義藝術家。 

2000年之後的賴美華,創作的面向有更開闊的發展。從女生自身的經驗、感受出發,但最終並不完全侷限在女性自身的課題,許多時候,更是超越性別,乃是面對生命整體的思考。賴美華的創作,是一種發自潛意識深層的自然流露,在看似人體的抽象構成中,訴說著屬於女性特有的憤怒、悲哀,與快樂。

女性藝術家之外,也是本地教育養成的謝義錩(1949-),出生於新竹。1967年入國立藝專美工科,隔年(1968),即獲台北市美展設計類首獎;1970年入伍服役,又得陸光美展首獎。之後,長期投入廣告設計及房地產事業,也是台灣知名設計團體「變形蟲設計協會」的成員。 

男性藝術家的抽象創作,在心靈感知的層面上,似乎不若女性藝術家的細膩敏感,但就抽象藝術的表現上,反而更為純粹。謝義錩的抽象創作,強烈的肌理,和色層的變化,容易讓人和建築產生聯想。純粹的視覺強度,也超越女性藝術家經常表現的自我內心感受。 

類似的比對,似乎也可檢視一批40~60年代出生的男性抽象藝術家;相對於前舉女性抽象藝術家的大多留學美國,這批男性藝術家則更多是前往歐洲的法國、義大利、西班牙。 

這批大約也是在80、90年代之後陸續返台的抽象藝術家,除前提留學西班牙的陳世明、莊普外,另有:留法的曲德義(1952-)、胡坤榮(1955-)、劉高興(1958-)、陶文岳(1961-),和留義的陳聖頌(1954-)、劉永仁(1958-)、耿晧剛(1969-),以及留美的張正仁(1953-)、郭博洲(1960-)、紀嘉華(1969-)等。 

身為韓國僑生的曲德義,1976年自台灣師大美術系畢業,在學期間,拜師台灣現代繪畫導師李仲生。1978年,曲德義赴法留學,同時在法國國立高等藝術學院(1979-1984)及國立高等設計學院(1981-1983)學習,並以俄國絕對主義藝術家馬勒維奇(Kazimir Severinovich Malevich,1878-935)的研究作為碩士論文的主題;而在他本人的創作上,也就走上結合李仲生的心象抽象(熱抽)與馬勒維奇色面構成(冷抽)的主軸風格。 

抽象繪畫自其奠基者康丁斯基(Kandinsky,1866)身上,即已隱然立下「熱抽」與「冷抽」的兩條路徑:前者,是以即興的手法,憑藉直覺、任由潛意識的流露,進行感性的抒發,畫面成為帶著動力的形、色聚合;後者則是以較知性的手法,將一些變化不定的幾何形,進行預想式的構成,呈現藝術家理念世界的某種秩序與空間關係。而曲德義正是企圖結合這兩條路徑,加上他自「支架(載體)─張面」(Suport-Surface)藝術的吸納,特別強調創作媒材本身的能指性,呈顯出一種媒材/作品、感性/知性、形式/內容、筆觸/色面、 穩定/傾斜、硬邊/肌理,乃至平面/空間、精神/物質……等等多元對立又疊合並置的特殊風格。 

1988年曲德義返台在台北三原色舉行首次個展,並進入甫剛成立的國立藝術學院(今國立台北藝術大學)任教;1995年,薛保瑕完成在美國的學業,也成為台南藝術學院(今國立台南藝術大學)的老師。曲、薛兩人在創作上持續開展的同時,也都因他們傑出的行政長才,而先後擔任校內及校外各種重要的行政職務。 

曲德義早期的作品,正是以冷熱兩種色面的垂直或傾斜並置,造成一種帶著動勢與動能的不安定性;一如樂滿心(Larry D.Lutchmansingh)在90年代中期所形容的:曲德義個人最明顯的藝術表徵,就是對空間運動的掌握;他可以同時在畫中引發空間運動,並延伸至畫外,有如立體派或拼貼作品中任意漂浮、擺盪的平面,又如那些充滿動力、活躍在二度空間畫面,同時也躍出畫外的各種線條。

胡坤榮,1955年生於台北三重,1977年入國立台灣藝專美術科,受西班牙留學返國的陳世明影響,開始研讀西方現代藝術理論並進行創作探討。作品以具幾何抽象的硬邊創作為主要風格;1982年在美國文化中心舉辦藝專畢業展、1984年再於龍門畫廊個展,受到矚目。與此同時,林壽宇返國帶來的衝擊,更對他造成深刻啟發,既參與幾次的「異度空間」和「超度空間」展外,也以立體創作獲得1985年台北市立美術館舉辦的第一屆現代雕塑展優選,並獲典藏。1991年,毅然赴法,客居巴黎10年,雖未正式進入學院學習,但深受法國藝壇氛圍影響,專注於幾何抽象繪畫之創作,2000年返台後,創作不輟。 

胡坤榮的幾何抽象,以正方形色面為主,搭配一些斜面的構成;粉系的色調,讓知性的畫面,散發一股輕柔、感性的氛圍。繁複卻具秩序的空間結構,充分展現都會生活的幸福情趣。 

也是國立藝專畢業(1979)的劉高興,1958年生於南台灣的高雄,曾參與高雄現代繪畫團體的「午馬畫會」。1985年赴法,入巴黎高級美術學校,1990年返台。劉高興的創作,以人為思考中心,但摒棄寫實、再現的技法,以較凝煉、簡化的象徵性形式,表現一種壓縮、交疊的複雜情境;看似平面的構成,卻蘊含豐富的肌理、沈鬱的色彩,給人一種歲月蒼桑的深沈感受,極具歷史感。近年作品,則加入一些自然空間的意象,看山似山、看山不是山,橫長的構圖,更增添了視覺移動的心理轉換,是生命意境的呈現,也是鄉愁的展現。 

更年輕的陶文岳,1961年出生於基隆的一個醫生家庭,自小極受家人細心的呵護與期待。國立台灣藝專美術科畢業後,1987年赴法,進入巴黎國立高等裝飾藝術學院;1991年,獲得該學院的繪畫首獎,並於1994年取得同校空間藝術系碩士學位。優異的表現,使他得以留校擔任助教。 

陶文岳留學、旅居法國,長達20年時間,在繪畫創作外,也專研當代藝術理論,成為右手畫畫、左手寫評論的藝術家。 

陶文岳的抽象繪畫,典雅、沈實,在豐美卻含蓄的色面中,時時浮現一些帶有象徵意義的符號和形狀,那往往是這位喜愛古物收藏的藝術家,藉以表達內心情感、思維的一種媒介與衍化,也是生活中的某種記憶、緬懷或象徵。他像一位優雅的哲士,面對生命中的種種挫折、試練與考驗,總是應之以淡然、超越的姿態,從容、徐緩,且不著喜、怒、哀、樂的起伏痕跡。

留學義大利的陳聖頌,1954年生於台灣雲林北港,1976年國立台灣師大美術系畢業後,再入李仲生教室學習,獲得現代藝術理念的啟發。後赴義大利留學,1988年自羅馬藝術學院繪畫系畢業。陳聖頌早期的作品,從具象出發,經歷半抽象,而走入純粹抽象;在純粹抽象的構成中,陳聖頌選擇一種凝煉的色彩,由黑、灰、白的無彩色出發,因為那是所有色彩的凝煉,之後加入黃、綠、褐等大自然的顏色,那是一種具體情感的投射;近年來,他從台灣原野的視覺特質中找尋靈感,在純粹的色彩線條構成中,呈現了一種屬於土地與生命的情感與眷戀。 

1958年生於台灣台東池上的劉永仁,1983年文化大學美術系畢業後,即任職文建會美術科,並擔任國際版畫雙年展執行秘書。1989年前往巴黎遊學,1990年轉往義大利米蘭,並舉行現代水墨個展。1991年入義大利國立米蘭布雷拉(Brera)藝術研究院,創作關懷逐漸由水墨紙本轉向油彩畫布。1995年取得該院碩士學位。期間,曾先後為台灣《典藏》、《雄獅美術》、《藝術家》雜誌撰文,尤其對90年代的威尼斯雙年展等多所評介,也是一位創作與評論兼擅的藝術家。 

劉永仁的創作,由現代水墨入手,在1990年代中期,脫離具象表現,轉向單色光影分解的畫面構成,並形成所謂「呼吸概念」(concept of breathing)的創作主軸,包括:「呼吸深度」(2002-2010)、「呼吸形跡」(2010)、「呼吸滲透」(2011)、「呼吸.取境」(2013)等系列;2015年之後,則轉向「抽象之弧」的探索。在這些帶著潛意識特色的作品中,劉永仁浸淫於形與形、色與色之間的對應、卡位,而形成深具張力與平衡的新秩序與新樂章;拆卸知性思維的邏輯架構,創作的過程就猶如平素生活的「呼吸」之間,那樣的自然、舒緩,而平順。 

目前劉永仁任職台北市立美術館展覽組,近年來策劃諸多和抽象藝術相關的重要個展與特展,並撰著相關評介,頗受肯定。 

同樣留學米蘭布雷拉藝術學院的耿晧剛,1969年生於台北,同樣是帶有色面的符號的抽象繪畫,耿晧剛的創作則是變動的、視覺的、外在世界的映現與拼貼。 

耿晧剛初期的作品,創作靈感來自對義大利特殊人文環境的強烈刺激;不過,他對這些外在視覺美感的吸納與運用,並不是納入一種理性的掌握或歸納,也不是抒發成一種感性的情緒或發洩;毋寧說,他更像是一個行吟的詩人,以開敞、流動、適意的心靈,讓這些色彩、形式,乃至衝突、拉拒的語彙,依他們自有的溫度、個性,同時呈現在畫面之中;有時,你會窺見某個建築古老的馬賽克拼貼圖案;有時,你會發現猶如方格玻璃櫥窗後繽紛的色彩;耿晧剛的作品,充分反映一個多所關懷、凡事入心、凡物入眼的熱情藝術家的生命本質。 

隨著生活與工作環境的變遷,耿晧剛嘗試多種可能的表現手法和技巧;但他總能成功地將許多不同的事事物物,安置、集中在有限的畫面中,而顯現出一定的意義或美感。明顯地,耿晧剛正是將這些原本獨立、片斷的物象或語彙,從自身的語彙脈絡中抽離出來,又併置、拼貼到另一個脈絡或文本中,形成新的意義或語境,增加了觀眾觀看、理解的空間,甚至不同的詮釋或感動。

這波留學熱潮中,另有留學美國的張正仁(1953-),生於台灣台北。1977年國立台灣師大美術系畢業,1984年前往美國紐約市立大學,獲得碩士學位;返台後,任教國立台北藝術大學美術系,也是「二號公寓」的重要成員。張正仁的創作,擷取都會生活與個人經驗的片斷影像,包括攝影的圖像,以蒙太奇(Montage)的手法,進行隨機的截取、編排、串接,形成一種多元視角與差異性的呈現;在看似無意識的構成中,卻又呈顯了一種兼俱包容與批判的象徵意義。是當代抽象繪畫創作中,富於社會關懷與個人自覺的特殊個案。 

同樣留學美國的郭博州,1960年出生於台南,1982年台灣師大美術系畢業後赴美,1991年獲紐約市立大學藝術碩士;返台後,任教國立台北教育大學藝術與造形設計學系。 

郭博州就讀台灣師大美術系時期,適逢旅美華裔畫家趙春翔返台客座,深受其現代彩墨藝術創作啟發,赴美後,在融合東西方的路向上多所嘗試;也是採取蒙太奇的手法,將生活的片斷或實物引入作品中。返台後,一度努力於將台灣特有的民俗元素與歷史記憶加入畫面;近年來,則採較自由、流動的手法,以墨水、壓克力彩等多媒材,表現一種充滿力動與空間疊像之美的畫面效果,深富詩性意象。 

更年輕的紀嘉華,1969年生於台灣台中,父親開設五金行,卻熱衷於藝術,曾是席德進忠實的支持者,紀嘉華深受影響。1983年移居美國加州後,1991年入美國羅德島設計學院,赴義大利羅馬分校學習一年,1992年返回美國本校,獲藝術學士學位,隔年(1993)再獲同校建築學士學位。1995年則完成賓州大學藝術碩士學位。 

紀嘉華的抽象繪畫,充滿詩質韻味,在充滿明亮、愉悅色彩的平行筆觸中,猶如一首首生命的情詩,平和、寧靜,而細膩,也是一頁頁生活的記錄,親切、可感,又引人遐思。 

除了這些留學海外的藝術家,1957年生於台灣雲林的蔡志榮,雖沒有留學海外的經歷,卻是一位活躍於國際當代藝壇的抽象藝術家。早年蔡志榮,是「台北畫派」的創始成員,之後,以海外活動為主,並多次擔任策展工作。 

在創作上,蔡志榮先以條碼和QRcode作為語彙,成為反映現代社會科技假生活的律動與美學。近年來,提出「環境動力美學」的概念,以規整卻又富於微妙律動變化的直線、橫線構成,表達了現代都會建築與生活的美感,頗富視覺的震撼,亦引人生發人文的反思。 

1960年生次台東的楊智富,則是一位長期耕耘本土的抽象藝術家。1985年文化大學美術系畢業後,曾長期參與帝門藝術基金會的工作,對台灣藝評、藝術史料的整理,及藝術活動的推廣,均曾付出心力,也策劃過不少頗具特色的展覽,兼擅論述,頗受肯定。帝門轉型後,楊智富回歸全力創作,展現一種形色的爆發力。 

楊智富的抽象創作,兼具一種表現形式的畫面揮灑與形色組構的感性合成,但色彩的豐美對比與細緻變化,在看似隨機構成的混沌紛亂中,卻有著細膩收拾的微妙用心。整體畫面,給人一種形色合一、渾然天成的氣韻感。近年,也嘗試裝置的創作。 

長期深耕於土地的,另有顏頂生(1960-)與林鴻文(1961-),兩人均為台南人,同為國立台灣藝專美術科畢業,也是「南台灣新風格展」(1986-)的成員。 

出身中醫世家的顏頂生,早期便以混含著中藥藥材為媒材所創作的「種子」系列,引起畫壇極大的注目。內斂、沈著的個性,顏頂生像一個辛勤耕耘,卻不問收穫的農夫,長期匿居於南台灣,鮮少參與藝壇的活動;即使受邀主持藝術空間,也以低調、平實的手法經營。 

他近年來的作品,一掃早年的沈實、鬱結,展現一種如「元畫」般的舒朗與開闊,簡約的畫面,散發一種淡然、超越的處世哲學。 

同樣長期生活在台南府城的林鴻文,人如其名:林間飛鴻留爪紋,他那始於心象、終於心象的作品,從早期的「紅城心式」,到近年的「無限於間隙間」,都帶著一種「可有可無」的隨意與隨緣;但偏偏這些看似「可有可無」的形、色,又有著一種「不精準中的精準」,像一齣齣武功高強的「醉拳」招式,看似一幅步伐零落、要倒不倒的身形中,卻是招招到位、恰到好處。他也是一位繪畫和雕塑同時並進的藝術家。 

顏、林二人,均有台南府城內斂、淡雅,又帶著某種孤高、寂寞的共同人文特質。

如前所述,台灣抽象藝術的發展,不能忽略抽象水墨的表現。除前提的黃朝湖、李重重外,50年代出生的許雨人(1951-),和60年代的劉國興(1960-)、黃致陽(1965-)、張富峻(1965-)等,都是重要的創作者。 

許雨人,原名許雨仁,是畫壇的一朵奇葩。出生台南佳里的他,從小看到書本就會頭暈,卻奇蹟地在1971年考上國立台灣藝專,就讀美術科國畫組。在藝專求學的五年中,台北故宮和彰化的李仲生,分別提供他對傳統的認識與現代藝術的啟蒙。 

繪畫是他面對現實療癒的唯一葯方,遊牧的生活方式,則是他自處的最佳選擇。他的一生經歷各式各樣的職業,也住過許多不同的地方,包括:在紐約賣過珠寶,在洛杉磯蓋過房子,在南部老家動手建造魚塭,到花蓮依傍大山大水,在三芝構築纜車畫室……,不變的是他質樸、深邃的心靈,和創作不懈的毅力。 

從早期筆觸填滿的油畫作品,到近期幾乎空無幾筆的水墨長軸,許雨人的創作事實上始終不離現實的生活;但也始終不拘限於現實的生活。他以細筆直線,顛覆現代水墨所謂「革中鋒的命」的主張,從頭到尾都用中鋒,也只用中鋒;他挑戰傳統中國文人水墨對直線、直角的禁忌,他的畫面經常出現直線、直角,甚至只有直線、直角。中國人忌諱談「4」,因為那是「死」的諧音,他卻偏偏偏愛「4」,因為這在構成上是最具象徵性與結構性的數字。他的水墨,有墨無水,卻喜愛用墨線表現水的流動與無限。許雨人的抽象繪畫,是生活的,也是觀念的;或有現實的影子,卻是潛意識的呈現;他是城市中的野人、鄉野中的哲士;為台灣60年代之後的現代水墨,乃至台灣抽象繪畫發展,開拓了一個嶄新的面貌。 

1960年出生於台灣新竹的劉國興,1988年以國畫組第一名的成績畢業於台北文化大學美術系;隔年(1989),即入漢聲出版社擔任美術編輯,前後11年。由於工作的關係,接觸了各國各地不同的文化藝術,也開拓了思維的視野。早期的作品,帶著較多文化尋根與社會批判的意味;之後走入純粹的抽象造型。流動的水墨紋理,散發猶如釉色般細緻的趣味,這或許和他早年學習陶瓷的經驗有關。90年代中期之後,加入電腦繪畫的輔助,開發出極富個人特色的「新意象山水」系列,成為當代現代水墨及抽象畫壇,風格鮮明的一位創作者。 

以現代水墨進行的抽象創作,同為1965年出生的黃致陽和張富峻,也是頗具代表性的兩位。 

生於台北的黃致陽原名黃志陽,文化大學美術系畢業。1990年代前期,以結合水墨和裝置手法的「肖孝形產房」系列,浮現藝;1996年獲亞洲文化基金會獎,遊學美國舊金山、紐約等地,並旅行工作於歐、美,後設工作室於北京。 

黃致陽的創作,最早從社會的倫理及權力的批判入手,以象徵性的符號,進行較為強烈的表現;之後,風格逐漸轉為內斂、含蓄,蘊涵東方神秘氣息,是一位經常自我突破、不斷超越,又勤於創作發表的重要藝術家。 

張富峻出生於台灣花蓮,復興商工美工科畢業後,再入台中東海大學美術系,1989年畢;同年,即獲得第14屆雄獅美術新人獎及台北市立美術館水墨創新獎,受到畫壇矚目。 

張富峻的現代水墨,一開始就是以抽象的筆法,表現對大自然山林、溪流的鳥瞰與宏觀,那是一種宇宙生機的流動與推擠。隨著生命的成熟,張富峻幾近隱居的生活和修行的心靈境界,作品愈趨空靈、簡化,在看似如符號的深淺筆墨線條間,張富峻掌握了山林林脈分佈的靈動感,呈顯一種生機無限、靈氣洶湧的豐足感,那是一種屬於東方文人精神的至高境界。 

張富峻的生命是超然的,但生活是落實的;他一手畫畫、一手寫詩,也經常為三義地區的藝術家進行策展,是一位面冷心熱、優遊於出世與入世之間的傑出藝術家。 

抽象藝術在台灣的發展,因為有現代水墨的介入,而增添更為豐美殊異的風貌表現。 

曾凱智(1974-)和吳東龍(1976-)是新一代的抽象藝術家。從改制後的國立台灣藝術大學美術系畢業(2003)的曾凱智,是出生於台灣嘉義;原本台中商專美工科畢業的他,長期從事美工設計,尤其是台灣知名的少數郵票設計者;然而,曾凱智始終未忘懷純粹藝術的創作,2007年以後,更持續舉辦個展,發表新作。初期的創作,以關懷非洲頻臨絕種動物為題材;之後,轉入純粹抽象的創作,以「生命」為主題;具象徵性的符號,表現宇宙生成、不斷聚散、離合的各種元素。這些或大、或小,或有形、或無形的生命型態,在浩瀚的宇宙中,以大地為孕床,不斷生發、湧現,也不斷幻化、滅亡……。以炭筆、粉彩為媒材,也展現了不同於油彩、壓克力、水墨的視覺趣味。 

1976年出生於台北的吳東龍,1998年自國立台灣藝專改制後的台灣藝術學院美術系畢業。2004年再於國立台南藝術學院(今國立台南藝術大學)造形藝術研究所畢業。在當年同儕多投入多媒材、裝置、數位,或新寫實繪畫的時潮中,吳東龍堅持抽象形式的繪畫創作。 

在看似單純、低限的圖形畫面中,其實蘊含了吳東龍來自現實生活環境中的種種細緻觀察與體驗;那可能是空氣的濕潤或乾冷,也可能是腳下泥土的鬆軟或枯乾,或是嗅覺的味道:木頭的香味,混合著大麥發酵的香氣,和不知名雜草的芬芳……。吳東龍畫面中的那些色彩、圖形,都是來自這些感官、觸覺、嗅覺的凝煉與統合。 

台灣抽象藝術的表現,除了平面的繪畫,立體造型也自成一個系統,繁茂開展。 

1939年出生於台灣嘉義的楊元太,本名楊國雄,幼年時期受美術老師鼓勵,立下向美術發展的志向;1956年考入省立台北師範(簡稱「北師」,今國立台北教育大學)藝術科,接受正統的美術教育,也開拓了美術的視野與理念,尤其當時幾份雜誌,如:《今日世界》、《TIME》、《LIFE》等,都提供了他對歐美各地藝術發展的基本認識。不過,當時楊元太的興趣主要集中在西畫的學習上;1962年,考入國立藝專美術科雕塑組,才開啟他對「三度空間」探討的熱忱。 

初期的藝專雕塑組,設備較為簡易,教室裡只有塑造用的泥土與可轉動的檯座,學生的學習也就偏重泥塑課程,尤其是對寫實人體的研究;但楊元太對「現代雕塑」的理念,始終深感興趣,1965年,也就是藝專畢業那年,他和李朝進等四位同學籌組成立「太陽畫會」,在國立藝術館舉辦「太陽展」。那正是台灣現代藝術運動風起雲湧的年代。 

和其同學在木、石、銅等媒材上的努力不同,楊元太一開始就用心於陶雕的探討。這個路向,似乎和他出身嘉義朴子農村有密切關聯,對泥土的熟悉與熱愛,也成了他終生創作的重要能量。 

但楊元太對陶雕的探討,幾乎完全來自自我學習。1966年5月,隨部隊由金門移防台灣,所有官兵的行李中,藏的都是金門高梁酒,惟獨楊元太裝的是金門的白色陶土。退伍後,在教學的工作中,始終不忘創作。1966年冬天,他將家中的農舍改為工作室,並自做了一個小窯爐,獨自摸索,研究陶雕;此後,不斷擴大窯爐,且都是親手自做。因此在毫無師承的情形下,從建窯、配土、成形,到配釉、燒窯,完全自我探討,從錯誤中學習經驗,不斷改進,也創造了自己的風貌,完全脫離傳統瓶、缶器形的拘限,進行純粹抽象造型的建構。1979年,由於國立歷史博物館的推薦,作品參展第37屆義大利華恩札國際陶藝展,因出身雕塑的訓練,使得他的作品有別於其他大部份由拉坯成型的陶藝家的作品,而展現了強烈的雕塑性。 

1980年,楊元太毅然辭去教職,前往美國阿肯色大學進修,後因母親病危被迫返國,但這趟旅程對其視野的開拓,已帶來了巨大的影響。 

楊元太的創作取材多元,但整體而言,仍以抽象的造型最具撼人的力量,在虛實的對應中,展現一種禪定、永恆、生滅不息的意象;或是在簡潔的量體中,呈顯了整座山的穩重與氣勢。有時更結合陶、鐵等媒材,予人一種蒼涼、神秘的力量。 

也是北師藝術科畢業的高燦興,1945年生於台北一個以焊造為專業的家庭;因此,高燦興的親手焊接、講究細節,也成為台灣鐵雕創作的典範。 

打破自然形象的模擬、再造,高燦興的創作來自一種投射個人心理狀態的純粹造型,展現完全屬於精神層面的訴求。他在一篇題為〈現代鋼鐵雕塑與其表現的關係〉文章中,說明了自我創作的形式觀念,他說「現代鋼鐵雕塑所追求的是分析或發展生活中的『內在現象』,以一種『再造的觀念』去塑造出『非人或物』的結構,以便達到精神上的領域。」 

1990年的〈我心深處〉是一件極具典範性的作品,在一個類似牢籠的鐵柵欄中,一些彎曲而長刺的鋼條,蔓生、纏繞成如心臟、血管的造型。直線與曲線的對比,本身就構成一種巨大的衝突,而巨大卻又不可捉摸的純粹造型,更形成視覺的震撼。 

和這件具穿透空間特性的作品相對應的,應是1991年的〈獸性.人性.神性〉,以三片平行直立的鐵板,分別以截角自插、截角未斷,以及方整未截等三種型態,暗寓獸、人、神三種不同的境界,純抽象的造型,猶如一首無調性的音樂,也似一篇以數字寫成的論文,給人純粹、超絕的精神想像。 

1998年參展成功大學校園雕塑大展的〈鹿〉,以一把修長向天如武士刀的造型,結合一個曲折如鹿角的基座,表現了一種高貴、昂揚的精神力量,而刀柄上鑲焊的細膩紋飾,更給人貴族般的徽紋聯想。 

以〈鹿〉的造型為基底,發展成2002年的〈飛奔〉,舖陳出猶如群鹿奔揚的壯闊意象。 

2013年的〈有機抽象〉,則是運用許多切割剩餘的捲曲線形鐵屑,摶成一個個球形的造型,貫穿在一支斜立的鐵棍上,讓原本無機生冷的鋼材,生發出有機生命的情感。 

高燦興對鐵雕藝術的堅持,以技進藝、由藝進道,從物質的精微處理,達到苦修般的精神境界,不媚俗、不妥協,是台灣雕塑界的一個異數,值得給予高度的肯定與敬意。 

1948年生的黃步青,是台灣具重要代表性的裝置藝術家;1999年,以〈野宴〉一作,代表台灣參加威尼斯雙年展,頗獲好評。出生嘉義鹿港的他,就讀國立台灣師大美術系期間,即拜師李仲生,並加入以李氏學生為主軸組成的「自由畫會」(1977-)、「現代眼」畫會(1983-) 。1981年,和夫人李錦繡雙雙赴巴黎進修;1987年,取得法國巴黎大學造型藝術碩士。返台後,展開多媒材的創作型式,並任教國立成功大學建築系。 

黃步青最早的立體創作,以報紙為媒材,結合一些自海邊撿拾的漂流物,如:玻璃瓶、動物骨骼,包括魚骨頭等,給人一種生命、死亡、儀式、救贖的聯想。 

黃步青的立體創作,由多媒材逐漸走向大型的空間裝置,但始終展現極為強烈的雕塑性,歷經三十多年的時間,當代藝壇已進入數位媒體的時代,黃步青仍堅持拾荒,在文明中見到荒蕪,在荒蕪中走出文明。黃步青的創作不是以拾來的素材拼裝出作品,而是先有草圖才在拾荒中發現適用的媒材,完成作品。因此他的作品往往具有一種緊密的結構,深沈的內蘊。生命/環境/文明,是他一貫關懷的主題,堅持以拾荒的手法完成一件件動人的創作,走出荒蕪之境,重見文明的省思。 

近年,他的創作,更關懷整個工業化與生態保護的課題,運用的媒材,也擴及更多的鐵件,2013年的〈星際家族〉,是對太陽、星星、月亮的歌頌,具有一種詩質的重量。 

來自香港的黎志文,1973年藝專雕塑科畢業後,即前往義大利卡拉拉(Carrara)的亨魯(Henraux)工作室,從事大理石創作,前後三年。1977年,個展於荷蘭阿姆斯特丹的迪晏畫廊(Gallery Dèendt);同年,取得美國雕塑家羅.魯寧的三年研究金,前往美國;並在1980年取得美國懷俄明大學的雕塑碩士學位。此後活躍於歐美、香港、台北等地藝壇。1985年更勇奪台北市立美術館第一屆現代雕塑展的大獎。 

黎志文早期的雕塑,是在近似低限主義的風格取向下,展現一種既含文字意念,又具視覺辨證性和觸覺可親性的造型趣味。早年黎志文的雕塑,以石材為主,利用簡潔的造型或低限的手法,有時也會搭配一些其他媒材,尤其是鐵件的組構,形成一種輕/重、虛/實的對比,「山水」是他經常採取的主題。 

近期的作品,經常運用現成物,包裹金屬薄片,成為一種既實又虛的聯想,如同漂泊在荒蕪之海的已逝文明。 

1950年生於台北的蔡根,原名蔡懷國,早期以寫實人物雕塑為主,深受前輩雕塑家陳夏雨執著態度的感召,投身人體雕塑的研究,前後13年。後因出國遊歷的體驗,深覺東西文化思維的不同,開始放棄人物的形塑,改以各種物件的拼合創作。初期以木材為主,這和他在藝專負責木工坊有關,基於惜物的心情,收集了大量學生裁切拋棄的木材,他因此加以利用;後期則逐漸擴大不同素材的運用,形成有趣的對話。 

之後,任教新成立的國立藝術學院(今國立台北藝術大學)美術系,即使使用的是各種不同的媒材,但他對媒材的處理,就一如對人際關係的處理,重點在於其間的和諧性與相融度。他曾說:「我三十歲以後就沒有跟任何人吵過架!」正是這樣的性情,蔡根的創作,始終予人以一種平和、從容,乃至幽默的感受。2000年後的作品,更加入一種中國庭園式的文人心境意象。 

1954年生於南台灣南高雄的李光裕,1972年進入藝專雕塑科,1978年,李光裕前往西班牙,並進入歐洲聞名的聖費南多(San Fernado)藝術學院,跟隨以人體結構著稱的西班牙雕塑家托雷多(Toledo)教授學習;在這裡獲得了藝術知識的開展,那是一種從實踐中獲得的生命啟蒙。畢業後又進入馬德里大學美術學院,取得碩士。1984年返台,適逢國立藝術學院(今國立台北藝術大學)成立,順利進入該校任教,直到2006年退休。 

李光裕的創作,1986年是其藝術生命初步成熟的關鍵年代。初回藝術學院任教的一兩年間,李光裕為自己的所學、所教所困擾,總覺得自己像是一個推銷洋貨的買辦,能夠提供給學生的,都是西洋的東西,欠缺一個自我思想的體系;而就在這樣的困境中,無意間在台北重慶南路的書店中翻到一本《六祖壇經》,他忽然發現:只要把經中所有的「佛」字,換成「藝術」兩字,整本書就成了一本藝術論。 

這種發現,就如蘋果掉到牛頓的頭上就發現了地心引力那般簡單,其實那只是靈魂透悟的一個外力因緣。自來對佛學就有著相當體悟的李光裕,在《六祖壇經》中發現的藝術體系,也就是一套對人、對世界、對萬有的理解體系,讓他在西方學得的雕塑技法與觀念,一下子找到了屬於自我、也是屬於東方的一套理解方式與路徑。 

這些作品,都是以人的身體局部為題材,分別是頭、腳和手,然而就如手一作的題目〈手非手〉所示,其他兩件,其實也都是〈頭非頭〉、〈腳非腳〉;簡單地說:以局部代替整體,「人」是李光裕關懷的主題,就像他的老師托雷多是歐洲知名的人體雕塑大師;但是老師所關心的,是結構、空間,和量體,而李光裕在這些人體的局部中,呈顯的,卻是對東方式的山水思想、人的解脫與自處等等問題的關懷與探討。人和風景的一體化,從這個時期開始,就成了李光裕人文雕塑的核心思維與特徵。 

2013年之後,藝術家心境進入一個新的階段,對世俗的看淡,在創作中有意以輕盈取代豐實,以片狀取代實體,形式上,也由半抽象進入幾近純抽象的造型。 

李光裕這些由生命出發,以西方技法為基底,創作出深具東方精神思維、又不失現代形式趣味的大批作品,實為台灣近代雕塑自黃土水以來,歷經戰後現代主義抽象風格的衝擊,而能將西方雕塑以「手作的抒情」,進入精神空間的掌握與肌理律動的調控,最具標竿意義的一位傑出雕塑家,美麗如一朵風中搖曳的荷葉。即使2013年之後,逐漸轉為以片狀為組合的主要語彙,一如中國紙雕的意念,但其基本的造型思維,仍不脫那原本來自泥塑訓練的脈絡與影響。 

1955年出生的徐永旭,1980年代中期開始自學陶藝,90年代之後再隨楊文霓學習陶作,隨吳毓棠學習釉藥,作品曾獲高雄縣美展第一名,及台北市美展陶藝類特優首獎等榮譽。徐永旭的創作極具企圖心,跨越媒材的限制,在尺寸上進行極度的挑戰。2003年,入國立台南藝術大學應用藝術研究所進修,2005年赴美遊學,深受激勵;加上返台後一次生死交關的重大車禍,使他的創作轉向內在的思考,脫離物象拘限,進入純粹抽象的造型。 

1957年次的梁任宏,是一位來自台南農家的小孩。東方工專(今東方技術學院)美工科畢業後,長居高雄,投入美工設計、房地產銷售等工作;在年逾不惑後,毅然投身創作,成為全職藝術家。以鋼鐵媒材進行的機動藝術,是他代表性的創作類型;2001年接連獲得「高雄獎」、「台北獎」兩大獎項的首獎,成為備受囑目的藝術家。為求更為精進的知識,他也以高齡入學國立台南藝術學院(今國立台南藝術大學)造形藝研究所,並在2002年取得碩士學位。 

來自農家的背景,卻投身都會,使他的作品同時具備一種神秘的宗教氣息與前衛的工業機能;這兩種看似矛盾的元素,在梁任宏的巧手巧思下,自然地融為一體,並成為環境的一部份,散發一份優雅、舒緩,既深沈又幽默的氣質。 

梁任宏的創作,沒有深奧的哲學,卻富含深沈的智慧;他的作品,不受學院、派別的拘束,自在自發,優遊伸展,與觀眾互動、與自然相融,尤其近年的鋼雕機動藝術,在高度科技、精準計算的支撐下,提供令人莞爾的人文反思。 

1958年生於嘉義袋的蔡志賢,藝名「小雨」,真正的職業是裁縫師,也是知名服飾品牌「小雨的兒子」的主人。蒼白斯文、沈靜寡言的裁縫師,習慣處理柔軟織品的手,竟然沈迷於堅硬鐵雕的創作;而恰恰是裁縫師設計女裝的敏思,讓他的鐵雕作品也充滿了詩情的美感、音樂的流動,乃至哲思的深邃。 

已故鐵雕大師陳庭詩曾讚美蔡志賢的創作:紮實簡練,接合處自然順暢,沒有突兀不妥之處,整體造型單純、樸拙,就像他本人給人的印象一樣,沒有多餘的形色,沒有多餘的廢話,沒有多餘的空間交會。同時,作品是富於空間節奏的造型音樂性的,蘊含著一股內斂純拙、奮鬥不懈的生命力。 

台灣鋼雕創作的熱潮,在2000年之後,因高雄「國際貨櫃藝術節」、「國際鋼雕藝術節」這兩個輪替舉辦的藝術節慶的倡導、鼓舞外,2008年起,更有國家文藝會與東和鋼鐵共同策劃、執行的藝企合作計劃「東鋼藝術家駐廠創作專案」,也是一個重要的支撐力量。 

前提1961年次的林鴻文,是第三期進駐的藝術家。這位早期以平面抽象繪畫知名的藝術家,之後,涉入以竹、木為媒材進行的大型裝置藝術,東和的駐廠,則讓他有機會進行一批以鋼材為媒介的創作機會。 

和其他雕塑出身的駐廠藝術家之不同,林鴻文沒有一個主導鐵材造型的企圖心,材料就他而言,本身即是一個存在,本身就是一個生命,藝術家反而只是這些生命生發、成長的一個媒介。小學三年級時,父親送他一把焊槍,林鴻文便學會了使用焊槍,從那樣的少年時代開始,林鴻文就不曾企圖運用焊槍去切割或拼合出一個什麼物象來,他只是將可以尋找到的「碎形」,讓他們依形與形的呼應,組構起來,一如細胞的分裂或植物的生長,有時像個蛹、有時像萌芽的種子;而透過這個生命體的生發,藝術家和外界也有了一種對話或結合,並藉以生發、演化,時而收斂、時而散發。 

詩的特質在其不可確定性,但詩的成功也正在其表達的精準;林鴻文的鐵雕創作,正可用詩的心情來看待與接近,那正是一種「不確定的精準」的完美呈現。 

1960年生於台灣屏東的張清淵,原為國立台灣藝專美工科工藝設計組學生,某次偶然的機會,陶塑的作品,被來校兼課的陶藝前輩林葆家看到,頗為欣賞,乃邀請他到工作室擔任助教,也因此展開了張清淵此後陶藝追尋的道路。 

張清淵前往林葆家工作室擔任助教期間,林氏工作室的主要創作形態,集中在對釉葯的試驗、開發,造形上則多為傳統瓶罐造型的有限變形。張清淵深覺不足,乃在林老師鼓勵下開始搜集國外資訊,瞭解現代陶藝的可能性;並於1988年,前往美國羅徹斯特學院研究所進修,專攻陶藝創作,兼修金屬工藝及雕塑,並於1989年取得碩士學位。 

1990年,張清淵以一件巨型的陶製景觀作品〈現象.蛻變〉,獲得徵件比賽的優勝,矗立在美國紐約州立高地公園內,打破陶藝創作的尺幅拘限;類似的觀念,也為台中的台灣省立美術館創作另一件〈牆〉。 

事實上,這些作品都沒有構成張清淵創作的「風格」;因為對張清淵而言,創作的突破與實驗,遠比「風格」的塑成還來得重要。張清淵這種強調實驗、突破的精神,也展現在日後的各類創作中,有以現成物加入的〈無題〉系列,也有以方陣排列的〈間隙〉系列,以及從容器觀念出發的〈錯置的母體〉系列等;其中,創作於1991年的〈無題之7〉,是以多種不同陶土,經由多次不同溫度與燒法,燒製後組合而成的作品,呈顯一種極具學術趣味的拼貼意象。 

至於以容器概念出發的〈錯置的母體〉系列,則暗含了一種文化認同與歸屬的困境與錯亂,兼具思維的衝擊與視覺的愉悅。 

張清淵在1993年返台後,先後服務於母校國立台灣藝術大學工藝系,及輔仁大學應用美術系,1997年專任於國立台南藝術大學應用藝術研究所。作為一位極具觀念性與實驗性的創作者,張清淵也是一位行動力極強的教育家與推動者。他經常利用暑假返回紐約母校羅徹斯特學院,和密蘇里州立大學哥倫比亞分校等,擔任客座教授。近年來更協助許多地方政府的文化單位,策劃各種國際性的陶藝專題展,包括:新北市的鶯歌陶瓷博物館,和台南總爺文化園區等。至於他任教的台南藝術大學,更是培養了許多陶藝新秀。張清淵是年輕一輩、具教父級地位的重要藝術工作者。 

也是東和鋼鐵2014年駐場創作藝術家之一的宋璽德1964年生於基隆。中原大學商業設計系畢業後,赴日本國立東京藝術大學美術研究科,取得博士畢業,先在日本AIM株式會社服務,2000年舉辦「兩種類的時間──宋璽德造形展」於松下電工藝廊。2001年返台後,任教國立台灣藝術大學設計學院視覺傳達設計系,後轉雕塑學系。 

宋璽德以金屬造形及機動藝術為專長,也一度投入結合光藝術的創作。2006年,分別在朱銘美術館推出「兩種時間的動」個展,及在靜宜大學藝術中心舉辦「宋璽德機動藝術個展」;2008年,在基隆市文化中心舉辦「海.光──一個老港都的故事」個展;2010年及2011年先後在國立台灣藝術大學及高雄正修科技大學舉辦「光.動──宋璽德紙動藝術個展」,2012年,即受邀參與「高雄國際鋼雕藝術節──全民大戀鋼」,展出於駁二藝術特區。 

宋璽德較小型的作品,造型簡潔、優雅,帶著詩意與想像的趣味,如2006年的〈流星雨系列〉,以LED燈模擬雨滴凝結在玻璃窗前的影像,在鏡面的鋼板上,藉由穿透及導角的方式,形成點、線、面之間疊影的效果。至於尺度較大的作品,則強調和觀眾或環境間的互動;如:2004年為澎湖馬公機場旅客大廳前廣場的〈風在說話〉,藉由當地強勁的風勢,設置許多猶如竹蜻蜓意欲飛翔、升騰的螺旋槳形立柱,形成一種眾聲喧嘩、相互對話的意象。至於2013年設置在駁二特區的〈慢活〉,則以三角挺立的鋼鐵結構,創作出一個可以讓觀眾休閑、談心的裝置。 

2015年發表的〈鋼鐵風景〉系列,則是以海上島礁石結構及傳統山水意象為原素,表現出鋼鐵柔性、多變的另一面向,是一位對鋼材媒介擁有多元掌握與表現的鋼雕藝術家。 

屬於年輕世代的廖迎晰(1968-),是這幾年頗受囑目的女性鋼雕藝術家,東海大學美術研究所西畫組畢業的她,卻是2013、2014年連續兩屆「全國美展」雕塑類金牌獎的得主,也是活躍於兩岸公共景觀界的傑出藝術家。 

廖迎晰的創作風格頗為多樣,不過都能將生硬的不鏽鋼予以柔軟多變的造型變化;如:2013年獲得全國美展金牌獎的〈晴時多雲偶陣雨〉,作品分為三層,最上層的雲,暗含著人體的造型,柔中帶剛;中間是以紅銅加以氧化,意含都市叢林之滄桑;下層則是代表了雨滴的不鏽鋼造型,滴水穿石而下,既是大自然無窮的力量,也是愛與包容的人心體現。 

另如:2014年的〈雲裳羽衣〉,曾參展當年在廣州舉辦的「亞洲雕塑展」,以一件帝王的披風為發想,採極簡的手法,將主題抽象化,由曲面的波浪狀,表現出如綢緞般柔美流暢的感覺,結合白色烤漆與不鏽鋼的對照、共